Día Cero

El Museo del Agua presenta

DÍA CERO

Desde la orilla se observa el destino final del sistema cloacal de la ciudad,
una misión exitosa de un árbol de Araucaria que llega desde Escocia a Buenos Aires,
una cianobacteria que muta y se multiplica,
un planeta sumergido en el capitalismo del agua.
En las profundidades de un lago,
organismos que hace millones de años se conservan intactos.
Una fuente y las propiedades escultóricas del agua.
Dos cuerpos que habitan el océano,
mientras, se pierden en una pausa constante
que de repente se convirtió en una nueva realidad…


DÍA CERO
una plataforma,
una estación de vigilancia del agua,
un escenario de especulaciones.

El fin, es la búsqueda de una postura frente a este muevo escenario terrestre:

el derecho al uso del agua comenzó a cotizar
en el mercado de futuros de valores internacional.

…suena un teléfono

¿Quién llama? ¿Para quién es?

Siete artistas, de distintas partes del mundo,
fueron invitados a conformar una constelación de narrativas
que trascienden el tiempo y el espacio.

En la estación, 8 hexágonos actúan como pantallas del agua,
todo está sucediendo en simultáneo,
son portales a imágenes en movimiento,
a momentos que al transitar el espacio,
aparecen y desaparecen,
dimensiones de un escenario fantástico, fluorescente y distópico
donde las moléculas de agua toman la forma de hexágonos
generando ‘enlaces hídricos’ que amplifican sus cualidades naturales
para intercambiar información.

¿Qué tipos de intercambios se dan hoy con el agua?
¿Qué nos propone la cotización del agua
en el mercado de valores internacional?
¿Cuánto vale…?
¿Quién decide…?


Hoy es el DÍA CERO.

Un proyecto de

Cynthia Carllinni

Obra

Definidos por la espera

Dos personajes flotan y nadan en el agua, mientras hablan acerca de un intento fallido de escape de una plataforma que aparentemente habitan, ambos están a la espera de un propósito y su único sentido proviene del mero acto de esperar.

Aquí no hay esperanza, parece no haber salida, parecen estar rodeados, no saben cuánto han dormido o siquiera si han dormido, ante la imposibilidad de escaparse, de no poder ir muy lejos, llegan a la conclusión de que su única opción es desaparecer, luego descartan esta opción y siguen en un loop existencial.

Definidos por la espera, es un diálogo armado con collage de fragmentos del guión original de la obra de teatro de lo absurdo “Esperando a Godot” de Samuel Becket.

Esta obra, a su vez, parte de una obra de teatro digital de la artista titulada “Godot en la era digital”.

Artista

Cynthia Carllinni es una artista argentina que vive entre Buenos Aires y Londres. Estudió Bellas Artes en Ruth Prowse School of Art, CT, Sudáfrica (2009-2012), asistió a la clínica de Diana Aisenberg (2013-2018) y realizó una maestría en Prácticas de Arte Contemporáneo, Práctica Crítica en Royal College of Art (2018-2021).

Cynthia utiliza el collage como método de trabajo operando con y a través del absurdo.

Durante los últimos años, ha estado investigando el "fenómeno de histéresis" en creencias prácticas (comportamiento humano) dentro de ideas de migración, no fronteras, rituales chamánicos, resistencia, esperanza, pausa y reorganización.

Cuando la vida se experimenta como fracturada y ya no es sostenida por un flujo constante de asociaciones habituales, diferentes fuerzas colisionan para producir sentido del no-sentido, la artista trata de reconocer las ‘especificidades locales’ en un ‘mundo globalizado’ para tratar de comprender su propia identidad transitando las complejidades de estas relaciones en nuestra vida diaria como una ‘experiencia collage’.

Cynthia ve lo 'social' como un espacio de especulación, como un aspecto fundamental en su discurso para profundizar en la investigación y la vivencia colectiva. La artista propone escenarios donde su práctica es atravesada por el encuentro con las narrativas de otros y viceversa.

A menudo, el aspecto curatorial de su práctica artística se convierte en una metodología clave para la investigación en su propia obra sobre el fenómeno de la histéresis en las creencias prácticas y la temporalidad.

Alice Bucknell

Obra

SEMILLA DE TIERRA 2150

Retomando donde la autora de ciencia ficción Octavia Butler lo dejó en su serie Parábolas, EARTHSEED 2150 cuenta la historia de la expansión inter-estelar de la humanidad a través de la perspectiva de la vida no humana que queda en la Tierra. Ambientado en 2150, 60 años después de que los humanos abandonaran el planeta, el video sigue la trayectoria de vuelo de un charrán ártico sobre un paisaje de ruinas, belleza y descomposición: los últimos rastros de la civilización humana que quedan en la Tierra. El pájaro narra los eventos que llevaron a la partida de la humanidad al tiempo que establece comparaciones entre temas más amplios como el agua y el capitalismo. Al final del video, el charrán ártico descubre un nuevo signo de vida, lo que sugiere que la salida de la humanidad del planeta, es quizás el mayor regalo para que la Tierra se reconstruya nuevamente.

Artista

Alice Bucknell es una artista y escritora estadounidense de Florida, radicada en Londres. Su trabajo actual utiliza la ficción especulativa para abordar las ideas contemporáneas de las utopías tecnológicas y el papel de la arquitectura en la contribución a la desigualdad global y la destrucción ecológica. Participa en exposiciones, simposios y residencias internacionales, más recientemente en Ars Electrónica, White Cube y Annka Kultys Gallery. Su escritura aparece en publicaciones como Flash Art, Frieze, Mousse y Elephant. En 2021, residirá en Rupert en Lituania (mayo) y RIXC en Riga (agosto-septiembre), como parte del Programa de Residencia de IA del Goethe-Institut. Estudió Antropología y Artes Visuales en la Universidad de Chicago y Práctica Crítica en el Royal College of Art de Londres.

Arieh Frosh

Obra

Sin título

La película trata dos temas superpuestos: la floración de algas y la historia de Isaac Bashevis Singer "Hanka".

El cortometraje se filmó en Chipre, donde el artista se encontró con una gran piscina que albergaba los restos de una floración de algas. Las floraciones de algas están aumentando en intensidad, ya que tienden a ocurrir cuando hay un exceso de un contaminante, aquí probablemente se produjo cuando la piscina estaba sucia por motivo del contexto de Covid-19. Mi descubrimiento de las algas llegó tarde: su alfombra oxidada de la piscina implicaba que había sido blanco de algún ataque de pesticidas o, como suele ser el caso de las floraciones de algas, que había absorbido nutrientes de una manera tan oportunista que las había agotado por completo. Una expansión hacia el olvido.

"Hanka" de Isaac Bashevis Singer se centra en un escritor yiddish que viaja en barco a Buenos Aires. Describe una fantasía de mar como una orgía, desde algas microscópicas hasta ballenas, donde la procreación y la multiplicación son deseos ineludibles y primordiales, muy parecidos a la floración de algas. Cuando llega a Buenos Aires, se encuentra con una prima desconocida (Hanka), que cuenta historias y personajes del pasado, y parece tener una influencia indirecta en los fracasos del viaje del escritor. Con el tiempo, se cuestiona el ser de Hanka, sus comportamientos irregulares se acercan a lo sobrenatural. Reflexionando sobre esto, el escritor concluye que todas sus experiencias han sido ambiguas, pero su fe en los espíritus continúa fortaleciéndose.

La observación microscópica tiende a la exactitud, dirigida a la clasificación y comprensión a nivel sub-celular. Sin embargo, las imágenes producidas, especialmente cuando se extraen de la investigación y circulan libremente en las redes sociales como bucles translúcidos y de otro mundo, pueden ser ambiguas y abiertas. Aquí, las células animadas por computadora en 3D, basadas en cianobacterias, chocan e interactúan utilizando fuerzas personalizadas programadas en el software.

Artista

Arieh Frosh es un artista inglés que vive en Londres, trabaja con un enfoque interdisciplinario, utilizando escritura, animación por computadora en 3D, esculturas motorizadas y películas, para formar proyectos basados en narrativas. Sus intereses de investigación recientes giran en torno a cómo la tecnología, la creación de mitos y el pensamiento entre especies pueden producir ficciones que podrían cuestionar las condiciones locales contemporáneas y sus fundamentos históricos.

Arieh es licenciado en Práctica Crítica en Royal College of Art, Londres (2020), y en Bellas Artes de la Universidad de Oxford (2015). Ha participado de CORE en SPUR world, una residencia virtual de seis meses y una comunidad en línea que explora ejercicios de creación artística conjunta e imaginación. También trabaja en una comisión de arte público para Cypher BILLBOARD en colaboración con estudiantes de Bounds Green School, Londres y el artista Ed Compson, centrándose en la captura y visualización del viento.

Dana Ferrari

Obra

Lava el gesto

Este video es el registro de un recorrido por paisajes desconfigurados, gestualidades, la administración de recursos energéticos y su uso ornamental. La contemplación del agua cayendo es como ver el fuego arder, propone una hipnosis que remoja el pensamiento. Encauzar la energía, siempre genera fugas imperceptibles, las gotas que salpican el plan perfecto.

Artista

“En un principio mi interés era la arquitectura y generar espacios ficcionales, pero gracias a largas conversaciones e intercambios con colegas y personas del arte, empecé a investigar otras posibilidades y formatos dentro de mi trabajo: complementé estos escenarios con acciones y pautas.”

“Mi práctica visual es formalmente variada. En varias performances busco observar cómo responden las conductas humanas, cuando las normas propuestas restringen la libertad de acción: para hacerlo, establezco diferentes objetivos para el espectador y para el performer haciendo que se entrecrucen. En todos los casos trabajo con particularidades en la circulación del espacio como laberintos y circuitos a transitar por el espectador.”

“En otras ocasiones, es una estatua viva quien inmóvil observa al público que orbita a su alrededor contemplándola, poniendo a prueba el grado de utilidad o aptitud de las cosas, la significación o importancia de una acción. Una serie de videos y fotografías tomó mi grupo familiar como materia plástica y performática, en sus eventos cotidianos y sucesos extraordinarios, conmigo incluida.”

“Últimamente, busco ensayar sobre posibles vinculaciones afectivas y relaciones interactivas. Trabajo desde y hacia las emociones y sentimientos que germinan de las prácticas entre personas, cuerpos, seres animados e inanimados, y los espacios que habitan.”

Dana Ferrari estudió Escenografía en la Universidad Nacional de Arte (UNA) y Caracterización en el Instituto Superior de Arte Teatro Colón (ISATC), mientras asistió a talleres de realización escenográfica. Desde el 2012 participó de clínicas de análisis de obra, y fue seleccionada en los programas Beca Fondo Nacional de las Artes - CC Haroldo Conti, el Laboratorio de Cine y el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Desde 2016 asiste también al taller de la artista Diana Aisenberg.

Sus principales exposiciones fueron: Diana (Isla Flotante, 2013) y El Divismo y lo Divino (Naranja Verde, 2014; Munar, 2018), ambas performance-instalación; y la muestra La Época de los Perros Flacos (Quimera, 2018). Sus principales trabajos en video-performance son: Clientes, realizado junto a su hermana Ángela Ferrari y exhibido en la muestra final del Programa de Artistas UTDT (2015); Amenities, que obtuvo el 3er premio UADE y fue realizado en vivo en el CCK (2018) y en Territorio Bienal (2019).

Actualmente, forma parte del grupo La Baranda, y desde 2014 desarrolla RICAS Estudio, proyecto comercial y colectivo artístico junto a Clara Campagnola dedicado a ambientaciones artísticas y realizaciones escenográficas.

Jamie Steedman

Obra

Sobre el mar hasta Argentina

Agosto de 1824 - Doña Josefa Balcarce y San Martín de Gutiérrez Estrada (también conocido como José de San Martín) llegan a Banff, Escocia, y le regalan a James Duff 4thEarl Fife un árbol de Araucaria Araucana como muestra de su amistad habiendo luchado juntos en la Guerra de la Independencia

Octubre de 1950 - En el centenario de la muerte de José de San Martín, Carlos Alberto Hogan, político y embajador argentino, realiza una visita de celebración a Banff, plantando un árbol de Araucaria Araucana en los terrenos del Castillo de Banff como un gesto de comunión continua entre las dos naciones.

Febrero de 2021 - Mientras se sumerge en el sentimentalismo densamente nostálgico de lo que significa ser escocés, Charlie 'the-not-so-bonnie' (como lo conocen sus amigos) comienza su viaje especulativo desde Glasgow a Buenos Aires con una Araucaria Araucana, con la vana esperanza de reivindicar la destreza en la construcción naval de Escocia, mantener distantes amistades internacionales y reavivar su propio fervor por la independencia nacional.

Artista

Jamie Steedman es un artista y escritor escocés actualmente radicado en Glasgow, Escocia. Completó una maestría en Práctica de Arte Contemporáneo en la Esfera Pública en el Royal College of Art, Londres en 2020, y en los últimos años ha participado y co-curado varios proyectos en Londres, Shanghai, Glasgow, Edimburgo, Dundee y Utrecht.

Steedman ha sido galardonado con el premio Alastair Smart Memorial de arte contemporáneo (2018), el premio Sir William Gillies Bequest (2019) y un premio de distinción por su disertación de maestría "Caso 655735: Investigación para el monumento Mowbray". En los próximos meses publicará un artículo en el Calendario de Interjección de Montez Press y presentará un espacio en Montez Press Radio. Steedman también es coeditor de windfall, una publicación de arte trimestral que tiene como objetivo difundir a los artistas contemporáneos emergentes que trabajan en todo el Reino Unido.

Actualmente, tiene un extraño interés por las gaviotas.

Léa Porré

Obra

Maar

Maar es el último proyecto de video de Léa Porré, donde sigue su exploración en curso de la historia medieval de su país, así como de la mitología mundial.

Basado en su investigación sobre vulcanismo en Francia, así como en cuentos y folclore locales, Maar, narra un viaje ficticio de un geólogo que se encuentra por primera vez con Lac Pavin, un lago verdaderamente misterioso y único.

Ubicado en Francia, en la región volcánica de Auvernia, Lac Pavin se encuentra en la cima de un volcán supuestamente inactivo, cuya última erupción se remonta a 6000 años. Desde entonces, se han reportado muchos otros avistamientos durante siglos y se han convertido en parte del folclore local. Devenido en un lugar donde el mito y la realidad chocan, su mismo nombre tiene sus raíces en el latín "pavens", un temible lago "donde reside el diablo".

Este sitio geológico se convierte en un escenario para el video de Porré, en el que el encuentro del narrador con el lago abre paso a algo mucho más misterioso, a una conexión íntima, mano a mano con el lago, a medida que aprendemos que contiene una forma de vida que recuerda al lago épocas de la vida primitiva: una cita imposible con nuestra propia génesis.

Maar de Porré ofrece una cautivadora narrativa trans-histórica y disyunta, que hace que la excavación y el ritual, la leyenda y la fantasía sean uno.

Artista

Léa Porré es una artista francesa y belga nacida en 1996. Actualmente, cursando una Maestría en Práctica de Arte Contemporáneo en el Royal College of Art. Se graduó en el Central Saint Martins (BAFA 4D) en 2018.

Su práctica es una relectura crítica de la Historia francesa a través de una lente de la mitología, profundamente arraigada en una visión cíclica.

Ella compone narrativas especulativas y trans-históricas que comparten una relación fluida entre el tiempo y la realidad, rompiendo imágenes icónicas, rituales y creencias, para construir un espacio de curación, de conciencia crítica y re-encantamiento del Pasado.

Las exposiciones individuales recientes incluyen: 'Dear One', Virginia Bianchi Gallery, Online (2020) - 'Historical Amnesia', Chateau de Lantheuil, Lantheuil, Francia - 'Forbidden Royalist Club', Off Site Project, Online - y espectáculo en dúo 'Who Knows What Happened Here? ', Placement Produit, Aubervilliers, Francia (2019).
Grupo: "Vacaciones en el fin del mundo", Artefactos eléctricos, curado por Off Site Project, Online - OUT OF TOUCH, curado por Hervisions, Lux, Online - "Cómo habitar la pantalla", Espacio Odeón, Bogotá, Colombia.
Próximamente Solo: "Versaliae", proyecto externo, en línea - Grupo: "Les (Im) mattériaux", Galerie XY, Olomouc, República Checa.
Participó en la residencia web de Akademie Schloss Solitude / Zentrum für Kunst und Medien, "Ghosted" (2018) y en el programa de residencia de artistas digitales (2020).

Santiago Ortí

Obra

COSTA

El plan es caminar al lado del agua, llegar a la costa y seguirla, ver cómo se termina la tierra y empieza el agua. Lain Sinclar, escritor inglés fanático de los ríos, cita esta definición de costa del poeta Jeremy Prynne: “Entre la tierra y el agua hay una línea delicada y ambigua”1. Para llegar, paso atrás de edificios, autopistas, tanques, rejas, clubes, campos, concesiones, prefectura, pantanos, puerto. En muchos lugares no se puede, o no te dejan pasar ¿Cómo se juntan la vida y la costa? Seguí los caños de cloaca y salí a la ribera de Berazategui, donde desagotan en aguas abiertas. Este punto queda a 339 km (por Ruta 11) de Punta Rasa. Ahí termina el Río de la Plata. Un punto muy chiquito que se conecta con otros. Tomo un vino blanco con Sprite en la bajada de Paraná. Voy en bicicleta por Costanera hasta Ciudad Universitaria y vuelvo. Voy y vuelvo, voy y vuelvo. Me baño en las playas de Vicente López y leo cuentos. En la costa de Avellaneda, cerca de la desembocadura del Riachuelo, me encuentro con los amigos de “Expediciones a Puerto Piojo”, una playa sepultada atrás del polo petroquímico de Dock Sud. En el verano, acampamos en Punta Indio y veraneamos en el río. Nos revolcamos en el barro y el instinto de caminar al lado del agua se hidrató.

De vuelta en la ciudad, busco la salida al río que está más cerca de mi casa. Es la desembocadura del arroyo Ugarteche, al lado de los terrenos de Punta Carrasco en disputa entre vecinos y negocio inmobiliario. Voy a pescar. Hay más gente. Me siento al lado de un grupo que charla alrededor de unas esculturas de cemento y hierro. Le compro una chipa a un vendedor que recorre la zona, y a otro, una lata de cerveza. Pasan varias arquitectas hablando sobre planes para un parque público. Me encuentro con Delfi, está pegando unos carteles que preguntan “¿Sabías que estás pisando un arroyo?”. Del otro lado, un grupo está haciendo un asadito reparados del viento por los escombros. Hay tres en una manta a la sombra, dos duermen la siesta.

1- Lain Sinclair, “Los Ríos Perdidos de Londres”. Fiordo, 2016.

Artista

Santiago Ortí es una artista y docente argentino, nacido en 1985 en Buenos Aires, donde vive y trabaja actualmente. En 2018 obtuvo una beca de creación del Fondo Nacional de las Artes para su proyecto “La Cloaca” y en 2017 participó del proyecto “Es una Vidriera” curado por la actriz Inés Efrón. En 2011 fue seleccionado en el Salón Nacional de Fotografía. Ha participado en muestras en distintos espacios de la ciudad de Buenos Aires como el Centro de Arte Contemporáneo La Casona de los Olivera, La Fábrica de Perú, La Verdi, Galería Ruth Benzacar, Club Cultural Matienzo, Universidad Nacional de San Martín, Moria Galería, Pólvora, entre otros. Desde 2015 se desempeña como docente en las materias Proyectual I y II en la Universidad de Buenos Aires. Pertenece al colectivo de trabajo Control donde se desempeña como fotógrafo realizando producciones para artistas como Nicola Costantino y registrando obras de arte para instituciones, galerías y artistas.

Trabaja con instalación, fotografía, video y performance. Le interesa lo que se descarta, los procesos cotidianos que producen los deshechos y los sistemas de los que participan. Realiza registros minuciosos, acopia, archiva y propone recorridos. Se pregunta por los modos de habitar el planeta.